En términos de arte, la apropiación es la práctica de usar objetos e
imágenes preexistentes en una obra de arte sin alterar realmente los
originales. La apropiación puede ser confusa, porque la línea entre pedir
prestado, apropiarse y copiarla a menudo es bastante borrosa.
Si bien la copia y la imitación han sido fundamentales para la práctica
artística en muchas culturas durante milenios, la apropiación como técnica
creativa se hizo prominente en los movimientos modernistas de vanguardia a
principios del siglo XX.
Como tal, pertenece a una larga tradición del arte moderno que va más
allá del uso del arte como herramienta para mostrar imágenes y narrativas y, en
cambio, mira hacia adentro, cuestionando la naturaleza del arte mismo.
Los artistas de apropiación fueron influenciados por el ensayo de 1934
del filósofo alemán Walter Benjamin, La
obra de arte en la era de la reproducción mecánica. Cubistas como Pablo
Picasso y Georges Braque utilizaron la apropiación en sus pinturas de collage y
pastiche, a menudo levantando imágenes de periódicos para incorporarlas a su
trabajo.
Marcel Duchamp desarrolló la práctica aún más a través de sus ready-mades, objetos tomados de la vida
real y presentados como arte, como su infame
“Fuente”, un urinario firmado, al revés y colocado sobre un pedestal.
A fines de la década de 1950, las imágenes y objetos apropiados aparecen
ampliamente en el trabajo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, y en el arte
pop.
Consideremos la serie "Campbell's Soup Can" de Andy Warhol
(1961). Es probablemente uno de los ejemplos más conocidos del arte de
apropiación.
Las imágenes de las latas de sopa Campbell son claramente apropiadas.
Copió las etiquetas originales exactamente, pero llenó todo el plano de la imagen
con su aspecto icónico.
La marca es la identidad de la imagen. Warhol aisló la imagen de estos
productos para estimular el reconocimiento del producto
Al mismo tiempo, también aprovechó un montón de otras asociaciones, como
el consumismo, el comercialismo, las grandes empresas, la comida rápida, los
valores de la clase media y la comida que representa el amor.
Como una imagen apropiada, estas etiquetas de sopa específicas podrían
resonar con significado (como una piedra arrojada a un estanque) y mucho más.
El uso de Warhol de imágenes populares se convirtió en parte del
movimiento Pop Art. Sin embargo, todo el arte de apropiación no es Pop Art.
Sin embargo, el término parece haberse utilizado específicamente en
relación con ciertos artistas estadounidenses en la década de 1980, en
particular Sherrie Levine y los artistas del grupo Neo-Geo, particularmente
Jeff Koons.
Algunos artistas como AK Dolven y Storm Thorgerson están claramente
inspirados en artistas e imágenes particulares, ya sea recreando las pinturas
de Edvard Munch en contextos modernos o tomando prestado en gran medida el
estilo surealista de René Magritte.
Un defensor más reciente de la apropiación como práctica creativa es el
poeta Kenneth Goldsmith, quien escribió un libro llamado Unoriginal Genius, que
defiende la apropiación en el arte. En dicho entorno, el papel del artista es
adoptar un intercambio libre y abierto de ideas y abandonar las nociones de
propiedad singular de una estética o estilo.
Este enfoque artístico suscita controversia porque algunas personas ven
la apropiación como poco original o robo. Por eso es importante entender por
qué los artistas se apropian de las obras de arte de otros.
Los críticos estaban indignados por el trabajo de Goldsmith,
particularmente porque sentían que era inapropiado que un hombre blanco usara
la muerte de un hombre negro como material creativo para beneficio personal.
Otros etiquetaron los poemas de Goldsmith como un ejemplo extremo de
apropiación cultural.
La escritora Maisha Z Johnson define la apropiación cultural como
"miembros de una cultura dominante que toman elementos de una cultura de
personas que han sido sistemáticamente oprimidas por ese grupo dominante".
En otras palabras, la apropiación cultural en el arte es vista por
algunos como perpetuando la opresión sistémica. Cuando los artistas en una
posición de poder y privilegio apropiados de aquellos que no lo son, pueden
beneficiarse de lo que toman mientras el grupo oprimido no obtiene nada.
Sin embargo, tal vez nuestra conectividad solo aumenta la obligación
moral del artista para la sensibilidad cultural y para reconocer que el arte
nunca se hace en el vacío, sino que existe en una geografía, historia, economía
y contexto social particulares.
Otros artistas de apropiación conocidos son Richard Prince, Jeff Koons,
Louise Lawler, Gerhard Richter, Yasumasa Morimura, Hiroshi Sugimoto y Kathleen
Gilje. Gilje se apropia de las obras maestras para comentar el contenido
original y proponer otro. En "Bacchus, Restored" (1992), se apropió
del "Bacchus" de Caravaggio (ca. 1595)
Los artistas de apropiación quieren que el espectador reconozca las
imágenes que copian. Esperan que el espectador traiga todas sus asociaciones
originales con la imagen al nuevo contexto del artista, ya sea una pintura, una
escultura, un collage, una cosechadora o una instalación completa.
Hoy en día, apropiarse, muestrear y mezclar elementos de la cultura
popular es una práctica común para los artistas que trabajan en muchos medios
diferentes, pero tales estrategias continúan desafiando las nociones de
originalidad y autoría, y empujando los límites de lo que significa ser un
artista.
Links
https://www.tate.org.uk/art/art-terms/a/appropriation
https://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/pop-art/appropriation/
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